Die folgende Rezension zu „Lear“ bezieht sich auf die Aufführung an der Hamburger Staatsoper (2014) in der Inszenierung von Karoline Gruber unter der musikalischen Leitung von Simone Young.

Aribert Reimanns „Lear“ (1978) gehört zu den zentralen Werken des moderneren Musiktheaters. Es ist die dritte von bislang acht Opern des Komponisten, dem gemeinsam mit seinem Librettisten Claus H. Henneberg bisher als einzigem eine überzeugende Vertonung eines der komplexesten Dramen Shakespeares gelungen ist. Ähnlich wie im Falle von Verdis „Macbeth“ und „Otello“ musste auch „Lear“ massiv gekürzt und gestrafft werden. So liegt in Reimanns Oper der Fokus auf dramatischen Schlüsselszenen, die den psychischen und sozialen Niedergang des Königs beleuchten. Die (geschichts-)philosophischen und zivilisationskritischen Aspekte des Werkes erschließen sich vollständig nur bei Kenntnis der dramatischen Vorlage und entsprechender Interpretationen.

In „Lear“ sind der Niedergang einer Familie und der Untergang des von ihr regierten Reiches unauflöslich miteinander verzahnt. Die politische und zugleich familiäre Katastrophe sichtbar zu machen, ist Aufgabe der Regie. Das Bühnenbild in Karoline Grubers Inszenierung ist nüchtern und düster überwiegend in Grau und Schwarz gehalten, dabei in den Schlussszenen des ersten Teils und im zweiten Teil weitestgehend in blaues Licht getaucht. Es dominieren Hell-Dunkel-Kontraste. Dunkle Wände, ein stufenförmiger Aufbau (gedacht als Parlamentssaal), Tische, Stühle, Betten, ein mit Neonröhren beleuchteter Gang (als Gangway?), das konservative Interieur eines (englischen) Landhauses (als feudaler Wohnsitz Glosters), ein verkleinertes Einfamilienhaus mit Garten und Weihnachtsbaum (als bürgerlicher Rückzugsort der „bösen“ Schwestern) sowie sargähnliche Aufbauten in den Schlussszenen gestalten den eher abstrakt belassenen Bühnenraum. Die Szenenwechsel erfolgen mittels Drehbühne. Als „Kostümierung“ fungiert Alltagskleidung der Gegenwart (Anzug, Hemd, Krawatte; Kleider), bei den männlichen Figuren ebenfalls überwiegend in Grautönen. Über diese eher allgemeinen Gegenwartsbezüge hinaus gibt es keine weitere, konkretere „Aktualisierung“. Das Hauptaugenmerk der Aufführung liegt auf der psychologischen Seite des Werks, auf den Beziehungen der Figuren zueinander, ihren wechselseitigen Spiegelungen, bei überzeugender Personenregie. Nach der öffentlichen Reichsteilung vollzieht sich die Organisation der Macht im privaten Bereich der Herrschenden, mitunter in den Schlafzimmern. Ähnlich wie in „Macbeth“ gehen die Frauen (Goneril, Regan) hierbei konsequenter und skrupelloser zu Werke, werden die „Herren der Schöpfung“ (Albany, Cornwall) von diesen als schwächlich angesehen. Der zunehmende Sprach- und Identitätsverlust des Königs im Wahnsinn findet sein visuelles Komplement in auf die Kulissen projizierten Schlagwörtern (KönigReICH – ReICH – ICH – VerzICHt u.a.), die durch Variation und Ergänzung zum Spiegel der mentalen Verfassung Lears, seines egozentrischen Charakters, seiner Verblendung und zuletzt erlangten Einsicht werden. Die Vervielfachung des Königs durch sein Gefolge lässt Lear zudem als Jedermann erscheinen. Die mythische, zeitübergreifende Dimension in „Lear“, der Aspekt des Apokalyptischen, findet in Grubers Inszenierung bildlich praktisch keine Berücksichtigung, bleibt der Musik überlassen.

Gemäß seiner äußeren Erscheinung interpretiert der Däne Bo Skovhus, der bereits als Wozzeck reüssierte, die Rolle des verblendeten Königs kraftvoll-viril. Mit seinem hell timbrierten Bariton vermag er sowohl dessen hochfahrend-aggressive Ausbrüche wie auch die Momente der Verzweiflung und Verbitterung ausdrucksvoll zu gestalten.
Als besonders eindringlich erweist sich die Gestaltung des Narren, eine reine Sprechrolle, durch Erwin Leder, der als geisterhaftes Alter Ego des wahnsinnigen Lear diesen in bisweilen kryptischen Aussprüchen mit der Realität konfrontiert.
Katja Pieweck als dominante Goneril und Helen Kwon als hysterische Regan bieten eine stimmlich und darstellerisch überzeugende Interpretation der „bösen“ Schwestern.
Darstellerisch bleibt Siobhan Stagg als Lears Lieblingstochter Cordelia im Vergleich zu den extrovertierteren Schwestern eher etwas blass. Hingegen gerät ihr expressiv-arioses „Mein lieber Vater!“ in der Versöhnungsszene (II, 6) zu einem der emotionalen Höhepunkte der Aufführung.
Zu den faszinierendsten und musikalisch schönsten Partien in „Lear“ gehört die des Edgar, der in seiner Verstellung als armer Tom in die Lage eines Countertenors wechselt. Andrew Watts gestaltet diese Rolle sowohl sängerisch wie auch darstellerisch bravourös.
Martin Homrich ist eine adäquate Verkörperung des intriganten und bösartigen Bastards Edmund.
Lauri Vasar spiegelt als Gloster das Schicksal Lears.

Die Australierin Simone Young, eine der wenigen Dirigentinnen an einem großen Opernhaus, bringt sowohl die großen, dramatischen Klangballungen wie auch die lyrisch-melodischen Passagen der in Teilen zwölftönigen Partitur eindringlich zur Geltung.
Bild- und Tonqualität der Einspielung sind sehr gut. Die DVD bietet keine Extras. Das Beiheft beinhaltet einen kurzen einführenden Text zu Reimanns Oper und zur Inszenierung.

Fazit:
Die Veröffentlichung eines herausragenden Werks wie Reimanns „Lear“ auf DVD ist angesichts der allgemeinen Vernachlässigung des modernen Musiktheaters zunächst mal zu begrüßen. Gleichwohl stellt sich die Frage, ob Grubers eher nüchtern-abstrakte Umsetzung dazu angetan ist, ein größeres Publikum anzusprechen und für das Werk und den Komponisten zu begeistern. Vergleicht man diesen Hamburger „Lear“ mit der ebenfalls auf DVD erschienenen großartigen Wiener/Frankfurter Produktion von Reimanns „Medea“ (2009), bleibt diese Aufführung unter atmosphärischen Gesichtspunkten doch etwas zurück. Vier Sterne gibt es insbesondere für die überzeugende Personenregie und die herausragende musikalische Gestaltung durch die beteiligten Sänger und das von Simone Young geleitete Orchester.

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david w black

Five Stars

2015年5月3日に英国でレビュー済み

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Brilliant production and performance

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